水彩写生怎么提高哈：？

Question

融入自然还有其他的吗？

Answer 1

水彩画技艺的要领在于“得心应手”，至于如何才能自如地驾驭水彩画而“得心应手”呢？
第一，要“得之于心”，就必须锻炼自己艺术的眼力和感悟力。绘画是视觉艺术，作者的创作和观者的欣赏都是以“看”为途径的，艺术的感染力也从中而生，画家的看，不光是用眼去看，更要用“心”去看，去感知，去领悟，只有这样才能“得心”而进入艺术的堂奥。
第二，要“应之于手”，就必须熟练自己的绘画功力和手艺。业精于勤、熟能生巧，这是千古不变的手艺之道。巴尔蒂斯说：“艺术首先是一种匠人的手艺，艺术是从这里出发的。”我认为这是一种极为科学的态度，作为一个水彩画家，应该老老实实地学手艺、长功力。这其中应该包括三个方面的手艺：

　　其一，是掌握素描和色彩的基本手艺。这是一切绘画手艺的基础，作为写实绘画，这个基本功更是不可少的。我认为现在水彩画的不少问题并不出在水彩技法上，而是出在素描和色彩功力的不足，因而造型松散、色彩贫弱，不可能有扎实的表现力，只好靠所谓“变形”和“单色”来自欺欺人，或者靠利用水色去碰运气，的确令人堪忧。所以，作水彩画要苦练两个基本功，要提倡多画习作，因为这不仅是一种练习素描和色彩基本功的手段，而且也是通向生活的桥梁。坚持画小幅水彩写生，以速写的形式记录大的色块关系和整体色彩气氛，一方面练习色彩，一方面保留生活中的感受，深感受益匪浅。
　　其二，是掌握用水和用色的手艺。这可以说是水彩画的技艺之本，顾名思义，“水”和“彩”当然是水彩画的两大基本要素，舍此，水彩画也就不存在了。吴冠中先生对此有过一段非常精辟的论述：“水彩，水、彩，其特点就在‘水’和‘彩’。不发挥水的长处，它比不上油画和粉画的表现力强；不发挥彩的特点，比之水墨画的神韵又见逊色。但它妙在水与彩的结合。”因此，只有充分发挥了“水”和“彩”的长处和特点，水彩画才能独树一帜，而不致被其他画种所替代，才称得上是技艺健全的水彩画。
水彩画的用水之道，并不只在于经常所说的“水色淋漓”，而在于适当、巧妙，在于有机地表现出画家的感受和艺术个性，老一辈水彩画家冉熙的湿画法和王肇民的干画法，同样都得了用水之妙。一般说来，水彩画可以干湿画法并用，使画面既有干裂之秋风之意味，又更有润含春雨之韵致，而有骨有肉，虚实相生。
至于用色之道，用色手艺的关键首先还在于感觉色彩的敏锐的眼力，要准确地感受对象在外光下的整体色调和微妙的色彩变化，特别是冷暖倾间的变化，须知画面上的色彩是决定在相互关系之上的，整体的观察和比较的眼光，是用色之道的基础。如果不突破按“固有色、随类赋彩”的樊篱，水彩画的色彩便无从起步，水彩画中色彩单调、寡淡生硬的现象也难以纠正。其次，还要锻炼用水彩色调出你感觉到的色彩能力，既要注意谨慎地保持某些色彩的鲜明度，但更多的是要注意使用中性色和低调色，要敢于调“灰”，甚至用对比色、补色去调，用黑色、白色去调，力求调出“熟的颜色”，以配置合适的色彩关系，在准确的色彩关系中，有“倾向性”的灰色也是有光彩的。但“调”的过程中，又要避免调“死”，有时水色一碰即可，甚至直接到画面上去调，主水色在画纸上自然渗化，这样更为生动。另外，水彩画的用色之道，还有很重要的一条，就是要注意其透明性，充分让白纸发挥作用，使其透气、得以呼吸，当然也不是处处都要是透明的薄色，水彩画的透明应理解为感觉的透明，决不回避重色和不透明色，往往有对比才更显透明，而且画面合理的色层重叠，甚至多次重叠，正体现了水彩画透明色表现的丰富性，这也是不应该被冷落的技艺。水彩画的用色之道，还要注意简洁、概括，我们必须正视水彩画工具材料性能的制约，不必勉强追求水彩画难以达到的效果。任何艺术形式都有其长处和局限性，只能扬长避短。如果以水彩去追求其他画种的效果，虽然似乎别开生面，但究竟不是水彩画的正路。水彩画的用色还是以简约为宜，着力抓住大的色彩关系，尽量概括局部的色彩变化，以少胜多，追求色彩的整体表现力。

其三，是掌握水彩画用笔的手艺。用笔是传导“事物之神”和作者情怀最富有表现力的手段，也是水彩画形式美的一个重要组成部分，故用笔之道，切不可忽视。水彩画的用笔要求有三：一是用笔的准确性。一笔落纸，应是形色俱到，尽量少做涂改，做到中国画要求的是“下笔神来，其形酷肖”，“下笔便有凹凸之形”。用笔还要符合自然的规律，正如老水彩画家张眉孙说的：“用笔，不论横坚转折，要讲脉络。出有脉，水有纹，一片树叶也有纹理。运笔要有纹，纹必符理，有情有理，合情合理，才是真实。”这其实就是中国画的骨法老一辈水彩画家在这方面的借鉴已经比我们先走一步了，这个功夫是非下不可的。二是用笔的生动性。用笔不只是一种造型手段，它还是抒发画家感情、表现画面意境的重要手段，笔的运动，笔触的痕迹，用笔的连贯和呼应，体现了一种画面内在的气韵，一种音乐感、节奏感，从而给观众以精神上的感染。所以，我主张水彩画还是要在的气韵，一种音乐感、节奏感，从而给观众以精神上的感染。用笔究竟只是一种手段，而不是目的，要讲究，又不能过于讲究，水彩画还是要画得轻松一点为好。用笔不能太露痕迹，太显雕琢，而要“藏住汗水”，在表现对象的过程中随意为之，水到渠成。自已在水彩画创作中，感到往往有时故意留下某些偶然效果和某些败笔，反增画面生气、若笔笔到位，处处完整，倒是平板无趣了。

Answer 2

静物写生是水彩画学习的初级阶段。它是通过对与人们日常生活密切相关的物品的描绘，来培养正确的观察方法，在加深对色彩和水彩画的认识的同时，提高审美意识和表现技巧。增强对水彩画工具、材料的把握能力和对对象的表现能力，为进一步的学习打下基础。

水彩静物写生在静物的选择、组合及构图上，与其它画种的色彩静物写生并无二致，只是在选择静物时，若能兼顾到适宜水彩画特性表现的静物当然更好。

（一）方法步骤

水彩静物写生的方法多而灵活，这里介绍常见的二种。

1、整体入手的方法

整体入手的方法从总体上讲，就是首先考虑全局，着眼于大效果，从最浅的颜色入手，整体铺开，从大到小，从粗到细，最后收拾调整的作画方法。这种画法的好处在于有整体的意识统摄作画的全过程，易于达到整体的谐调感。但它亦有自身的局限性，这就是不容易深入进去，并且在反复的色块叠置中，容易使色彩灰暗、发脏、发焦，失去色彩的生动性与新鲜感。具体的步骤如下：

A、 用铅笔或极淡的单色（群青、赭石）勾出物体的轮廓。

铅笔起稿一定要轻，自己能够辨认即可。笔痕过重，会破坏画面的最后效果。

B、铺大体色：着眼于整体，铺出各物体的基本色。

这一步要快一些，尽量将自己的新鲜感受画出来。不要受细节变化或杂乱现象的干扰，保持对对象整体的感受。同时，上色要留有余地，太过就难于进行下一步。

C、大体塑造：将对象的形体关系和色彩变化结合起来进行大体上塑造，初步具有对象的立体感和画面的空间透视效果。

这一步同样要强调大体，营造出整体在空间、体积、色彩、主次、虚实上的变化，确立画面的总体效果，让对象立起来。

D、深入刻画：对对象的局部，生动的细节进行详尽的刻画，充实效果，获得生动感，增强感染力，画龙点睛。

尤其要注意的是深入刻画一定要有控制，当精画的则精画，当简画的则简画，有主有次，有祥有略，这样才不至画平、画板，保持画面的生动性。中国画论中“密不透风，疏能跑马”的见解对对象的刻画也是适用的。

e、调整、收拾：从整体的角度去审视画面，对有碍于整体效果的物体或局部进行适合整体关系的调整。对绘制过程中出现的遗漏或差错进行弥补收拾。

对于初涉水彩画的学生来讲，多作一些整体着手方法的练习，可以培养我们整体意识和驾驭全局的能力。

2、局部入手的方法：

具有一定绘画经验的人，尤其喜欢这种作画的方法。局部入手的方法是指从画面的某一个局部开始上色，然后一部分接着一部分地展开，直至全画的完成。最后作适当的调整、收拾。由于这种方法是局部完成的，所以它既容易画得深入、充分、生动，但又容易画得平均而缺乏主次，造成画面的死板和失去整体的和谐感。因此，对于画面的整体设计和适当的控制就成为必不可少的条件。是否有很强的整体意识是这种画法能否成功的关键。其大体步骤可分三步：

A、勾轮廓：同整体着手方法的要求基本一致。只是最好用铅笔起稿，并注意稿子的准确性。

B、 刻画：选择某一个局部开始进行刻画，并逐步扩展开来，直至完成所有物体。也可一个物体画完之后，再画另一个物体，一个接着一个地画完。

C、 调整、收拾：同整体着手方法的同步要求相同。

局部人手的方法最好从画面上自己最感兴趣，最吸引自己的地方开始。这样容易建立其自己作画的感觉和兴趣，而使整个的作画过程变得顺畅一些。

Answer 3

多 画 多想 多观察 有兴趣就可以了1